Otros ojos para ver el Prado

Editorial Tecnos nos ofrece una joya irresistible para todos los amantes del arte con Otros ojos para ver el Prado, un libro que procede de la redacción de unos videos reunidos bajo la denominación de “otros ojos para ver El Prado” elaborados a partir de las conversaciones entre expertos en física y matemáticas de la Agencia GISME (Grupo Interdisciplinar de reflexión y Soluciones Matemáticas para Entidades) y los distintos conservadores del Museo de El Prado sobre los diferentes significados científicos, estéticos e históricos de diferentes obras depositadas en el primer museo de pintura del mundo.

El propósito de este libro es fácil de explicar; verbalizar y explicar las imágenes que se forman en nuestros cerebros, educados en diferentes ámbitos del conocimiento humano, cuando mirábamos las obras de arte del museo y entrelazarlas con las ideas y conocimientos que nos llegaban de las explicaciones de los conservadores.

Se trataba pues de una nueva forma de generalizar las conclusiones que podemos sacar de una mirada a un cuadro. De ahí el título del programa de los vídeos y del libros que tenemos entre manos. En definitiva, los autores querían, a toda costa, enriquecer el discurso explicativo de diferentes cuadros, auténticas obras maestras, adentrándonos en las salas y recorriendo los pasillos de ese gran templo de la pintura que es el Museo del Prado, en el que se encuentran las auténticas señas de identidad de quiénes somos, cuáles han sido nuestras ideas y creencias y cuál ha sido la evolución de las mismas, vistas y pintadas por ojos y manos humanas.

Han pretendido también rendir homenaje a su convicción de que el arte, la ciencia, la filosofía, la literatura, la música, el derecho, buscan de forma inconsciente y continua la belleza y la verdad.

Y lo han hecho con un libro estructurado de forma perfecta, convirtiéndose así en una herramienta práctica y didáctica muy accesible. En la primera parte se presentan las 19 obras elegidas, reproducidas y sin más aportaciones que la de los pies de foto para identificar y documentar las pinturas escogidas. De esta manera nos encontraremos frente a obras maestras como El jardín de las delicias, Las lanzas, Las meninas, La piedad, La Gloria, Las hilanderas, y otras maravillas de Sorolla, Madrazo, El Bosco, Goya, Tiziano o Ribera, entre otros.

En la segunda parte, "Diálogos sobre las obras elegidas", es donde nos adentramos en lo más jugoso del libro, con extractos de las grabaciones en las que han participado los especialistas del proyecto y donde, además de las 19 obras, aparecen referencias también a otros cuadros, ampliando el menú y completando una propuesta genial.


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Goya. Las Pinturas Negras

Goya. Las pinturas negras, de Yves Bonnefoy (ed. Tecnos) no solamente da cuenta del lugar excepcionalmente singular que ocupa Goya en la reflexión crítica y poética de Yves Bonnefoy, también es una muestra sumamente expresiva del particular estilo hermenéutico que ponen en obra los ensayos sobre el arte.

Por su formación de historiador del arte, conocedor y admirador de la tradición historiográfica francesa, Yves Bonnefoy apoya su interpretación de la obra en los saberes de la historia del arte, de la filosofía, de los mitos o de las religiones, para restablecer las determinaciones múltiples, desde las circunstancias históricas y biográficas hasta las estructuras conceptuales e imaginarias que la circunscriben en el horizonte de su época.

En el prólogo del libro, Bonnefoy anticipa que no actuará como un crítico convencional. La posición del ensayista excede las demandas que interpelan a la crítica tradicional y a las que ésta no puede dejar de responder. Desde fuera de esa tradición, pero sin omitirla, lo que al poeta le interesa es reavivar la presencia de Goya, darle la palabra y establecer con él un diálogo sobre un plano atemporal, en el que tratará de hallar respuesta a las preguntas que traspasan su propia creación.

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Historia cómica del Arte e Historia cómica del Cine

Editorial Verbum nos ofrece dos pequeñas joyas, Histórica cómica del Arte e Historia cómica del Cine, con las que vamos a aprender sobre cine y arte de la forma más divertida. Una combinación irresistible, preparada por la mano maestra de su autor, Enrique Gallud Jardiel, el culpable de que nos acerquemos a estos dos temas siempre con una sonrisa en la boca.

Por lo tanto, antes de continuar, vamos a detenernos en cada libro vamos a conocer un poco más a su autor.

Enrique Gallud Jardiel (Valencia, 1958) es un escritor y ensayista español. Pertenece a una familia de raigambre literaria y artística, pues es nieto del comediógrafo Enrique Jardiel Poncela actores Rafael Gallud y María Luz Jardiel. Es Doctor en Filología Hispánica por las universidades Jawaharlal Nehru de Nueva Delhi y Complutense de Madrid. Ha ejercido la docencia en universidades y otras instituciones de España y del extranjero y publicado más de ochenta libros sobre diversos temas, tanto ensayísticos como de ficción. Es autor de numerosos artículos. Ha realizado numerosas intervenciones en programas de radio y televisión


Historia cómica del Arte.

Esta Historia cómica del Arte persigue el más noble de los fines, aunque sea un tópico mayor que la catedral de Burgos: Docere delectando, enseñar sin ser un plasta.

 Los hombres ingenuos siempre han creído que las obras de arte eran cosas bonitas y bien hechas, pero hoy en día hemos visto demás demasiadas construcciones que se caen a trozos, demasiadas esculturas consistentes en un muelle de hierro en medio de una rotonda y demasiados cuadros colgados del revés durante meses sin que nadie se diera cuenta.

Por eso hace falta una visión desmitificadora de la Historia del Arte, precisamente lo que trata de hacer este simpático libro. Aquí contemplaremos movimientos, estilos, artistas y obras de arte a través de las gafas del humor, les sacaremos los defectos, nos reiremos, lo pasaremos estupendamente y de paso aprenderemos alguna cosa que —dicho sea, sin ánimo de ofender— no nos vendrá nada mal.

Y así, de forma divertida a la vez que rigurosa, iremos descubriendo los secretos y las claves del arte rupestre, griego, romano, bizantino, románico, gótico, renacentista, barroco, romántico, impresionista o modernista, paso a paso, descubriendo sus principales características, artistas y obras, deteniéndonos en cada etapa y estilo, pero sin perder en ningún momento el tono divertido, desenfadado, poco ortodoxo, que nos mantiene pegados a lectura, mientras vamos disfrutando y aprendiendo con la siempre fascinante historia del Arte.

El recorrido termina en un convulso, incongruente y caótico siglo XX, con más de setenta estilos, no todos reseñables ni merecedores de ser tratados, algo de lo que se encarga el autor, realizando una criba para ofrecernos lo más esencial de estos cien años de arte.

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Historia cómica del cine

Si queremos conocer la historia del cine universal, nada mejor que este extremadamente útil y divertido libro, que proporciona una visión panorámica de los movimientos, los directores y las películas más importantes que se han realizado nunca, pero todo ello elaborado y complementado con la magia insuperable del humor.

No estamos hablando de una recopilación de anécdotas o curiosidades —aunque indudablemente las hay—, sino de un canon ordenado y riguroso, tan valioso como cualquier otro, claro, conciso, abarcador y, al mismo tiempo paródico.

En él aprenderemos con facilidad lo que en los textos de los sesudos críticos de cine nos resulta ininteligible. Y, a la vez, nos divertiremos con el inimitable estilo paródico del autor, que fiel a su máxima de «enseñar deleitando», sabe informarnos y dar relieve humorístico a cada cineasta y a cada película.

Con el mismo estilo ameno, divertido y didáctico del anterior libro, el autor vuelve a deleitarnos con una crónica detallada, que se remonta hasta los orígenes de la fotografía, para dar lugar a los inventores del cine, los hermanos Lumière, y comenzar así el recorrido por la magia del cine, desde el mundo al sonoro, analizando no sólo su evolución histórica en cada período, sino en cada país, y es que el cine es más que Hollywood, y el autor dirige su mirada también al cine italiano, alemán francés, inglés, soviético, oriental y latinoamericano, sin olvidar por supuesto, el de aquí, el español, que tiene su protagonista con sus principales películas, directores y actores.

Es una obra imprescindible para todos los que amen intensamente el cine y también para aquellos que lo quieran sólo un poquito.


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Arte viajero

Arte viajero, de Federico García Serrano (Larousse, 2017) es una invitación a acompañar a algunas de las obras de arte más conocidas de la historia en un viaje plagado de robos, expolios, intrigas y todo tipo de curiosidades, anécdotas y episodios que nos van a hacer disfrutar, aprender sobre los contextos históricos en los que estas obras se crearon y "viajaron", y apreciarla en toda su dimensión artística e histórica.

Un banquete que van a devorar y disfrutar todos los aficionados al arte y a la historia, y a todos aquellos con un mínimo de curiosidad e interés por descubrir episodios y anécdotas jugosas.

Federico García Serrano, profesor en las facultades de Bellas Artes y Ciencias de la Comunicación de la Universidad Complutense de Madrid, desarrolló durante tres décadas una carrera profesional en RTVE, para la que realizó programas como Mitomanía (1994-1999) o Palabra por palabra (2005-2008). Es coautor, con Guillermo Summers, de varios libros de humor y cocina. Dirigió el proyecto El museo imaginado (Ministerio de Cultura, 2000) que le permitió adentrarse en el "arte viajero".

Estamos ante un libro que, antes de nada, entra por los ojos, requisito casi imprescindible en todo libro sobre arte. Además de su cubierta atractiva, en su interior encontramos un formato cuidado, de calidad, con múltiples fotografías, esquemas y notas informativas que presentan la información de forma muy atractiva, práctica y asequible.

Una vez convencidos del continente, el autor se encarga de convencernos también con el contenido. Y es que, aunque estamos ante un libro que trata hechos reales, su estilo dinámico y los episodios que relata, parecen situarnos ante una novela de intriga y misterio, con una trama fruto de una fértil imaginación. Pero, nuevamente, comprobamos que la realidad supera a la ficción.

El autor nos invita a descubrir obras de arte como La Venus del espejo, de Velázquez; El matrimonio Arnolfini, de Van Eyck; Los jugadores de cartas, de Cézanne; o la Dama del Armiño, de da Vinci, entre muchas otras, para apreciarlas más allá de su dimensión artística, y descubrir sus secretos e intimidades, la cara menos conocida que nos lleva a realizar un viaje lleno de misterio, aventuras y sorpresas que nos iremos encontrando por el periplo histórico que recorrieron desde su creación hasta su ubicación actual.

Resulta sorprendente descubrir cómo estas obras han ido pasando de mano en mano, recorriendo medio mundo, sufriendo todo tipo de avatares, aventuras y desventuras, permitiéndonos conocer los entresijos y las circunstancias sociales, culturales y políticas del momento, convirtiendo el libro en un retrato histórico y social de las diferentes épocas por las que estas obras realizaron sus apasionante viajes.

Artistas, modelos, marchantes, coleccionistas, mecenas, ladrones, saqueadores, escritores, reyes, músicos, políticos, banqueros, amantes o emperadores, son algunos de los personajes que van a desfilar por este libro que nos ofrece un relato apasionante, rico en anécdotas y experiencias que completan una propuesta irresistible, para saborear página a página, fotografía a fotografía.

Un libro para dejarse llevar y acompañar a estas obras en sus sorprendentes viajes por la historia...

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Un Van Gogh en el gallinero

La historiadora Maureen Marozeau nos ofrece con Un Van Gogh en el gallinero (Edhasa, 2017) una selección de historias increíbles sobre el mundo del arte que tiene como propósito "contar de una manera tan ligera como seria las tribulaciones a menudo desconocidas de algunas obras hoy icónicas". 

Doce obras maestras del mundo de la pintura y la escultura cuyas aventuras y peripecias nos permitirán "dar un paseo por las bambalinas del mundo del arte y, con frecuencia, de reflexionar sobre su evolución de forma dilatada". De esta manera, disfrutaremos y aprenderemos sobre el arte casi sin darnos cuenta, de una forma amena y muy entretenida, además de ofrecernos también retazos históricos reveladores sobre la época y el contexto de cada obra y su periplo.

Maureen Marozeau es historiadora del arte. Se graduó en la Universidad de Brown (Providence, EEUU) y en el Instituto de Arte Courtauld (Londres). Ha trabajado en el Met de Nueva York, en el Louvre, en Sotheby y en el Museo de Arte e Historia de Ginebra. Como escritora, es autora del libro Art: 365 histoires pur épater la galeria (2012).

La Gioconda, El cordero místico, El origen del mundo, El astrónomo, el Guernica, el busto de Nefertiti, la estatura ecuestre de Luis XIV, La deposición de Cristo, La diosa Morgantina, La ejecución de Jane Grey, el Retrato del doctor Félix Rey y el Retrato del duque de Wellington, son las obras míticas elegidas por la autora para invitarnos a realizar un viaje apasionante, de los que dejan huella, permitiéndonos descubrir qué se esconde detrás de estas obras, cómo llegar hasta los lugares desde donde hoy se contemplan y admiran.

Como si de un thriller se tratara, el autor nos mantiene en vilo a lo largo de todo el libro, ofreciéndonos todo tipo de anécdotas, intrigas, conspiraciones políticas y religiosas, con episodios en los que aparecen personajes históricos como Hitler, Napoleón o Kennedy, incluso famosos actuales como Dan Brown o Sean Connery.

Estas obras de arte nos van a mostrar lo mejor y lo peor del ser humano, con historias de ambición y despojo, de azar, olvidos y fanatismos. Codiciadas por reyes, obispos y dictadores, robadas, guardadas en bóvedas o encerradas en túneles subterráneos, muchas de las obras sufrieron atentados que las dañaron, se salvaron de milagro de ser devoradas por las llamas tras un bombardeo o fueron objeto de oscuros manejos por parte de museos que lucran con su exhibición. El siempre enigmático poder del arte se cruza aquí con tramas políticas y personajes que parecen salidos de una novela policial.

Te puedo asegurar que a partir de ahora vas a mirar estas obras de arte de forma diferente, apreciándolas aún más, no sólo por su belleza, sino por la historia que esconden detrás. Y nos abrirá el apetito para profundizar en otras obras y artistas para seguir descubriendo y disfrutando con los tesoros que el mundo del arte sigue ofreciéndonos de múltiples formas, algunas de ellas imprevistas, como este libro nos demuestra.

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Eso no estaba en mi libro de Historia del Arte

Eso no estaba en mi libro de Historia del Arte, de Manuel Jesús Roldán (Almuzara, 2017) es un recorrido por la historia Historia del Arte desde una perspectiva diferente, atendiendo a aquello que no suele aparecer en los manuales, planteando más interrogantes que respuestas, buscando que el lector reflexione, dude, amplíe sus conocimientos despertando así el deseo de profundizar más en lo que verdaderamente significa el Arte: "la búsqueda de la belleza, de la emoción, de la creación del acercamiento a la divinidad, del diseño que mejor nuestra vida cotidiana, de la idea...".

El autor no se conforma con lo sabido, sino que se adentra en terrenos poco transitados, olvidados, dejados en un segundo plano, pero trascendentales para comprender el mundo del arte y sus principales protagonistas.

Manuel Jesús Roldán Salgueiro es licenciado en Geografía e Historia (Esp. Historia del Arte) por la Universidad Hispalense. Profesor de Enseñanza Secundaria y de la «Universitas Senioribus» de la Fundación CEU San Pablo, ha orientado sus estudios en torno al patrimonio artístico de su ciudad y de su Semana Santa, habiendo publicado más de una centenar de artículos en diarios y revistas especializadas.

Autor del capítulo correspondiente de la Enciclopedia de las Artesanías de la Semana Santa Andaluza, ha sido colaborador de Onda Cero, Canal Sur, ABC Punto Radio y, en la actualidad, de Cadena COPE. Articulista y redactor de la revista Pasión en Sevilla del diario ABC. Ha participado en diferentes programas locales de televisión, siendo coguionista de la serie “Sevilla Siglo XX” y actual colaborador de Telesevilla.

Asesor de fundaciones culturales, bloguero y con incursiones literarias en el relato corto, es autor en Almuzara de Historia de Sevilla (2ª edición), Iglesias de Sevilla (2ª edición) y Conventos de Sevilla (2ª edición). También de Almanaque de Sevilla, La Sevilla Erótica (junto a Jesús Cotta), Historia de la Semana Santa sevillana, La Sevilla del Siglo XX (junto a Álvaro Pastor y Paco Robles), Semana Santa: Teoría y realidades, La Semana Santa según ABC, Retrato de una Dama: Sevilla en 100 retratos de mujer (junto a Teresa Puig) y del libro de relatos Palabras como labios. @manuroldansal

Eso no estaba en mi libro de Historia del Arte plantea apasionantes interrogantes que van a dar lugar a un relato cautivador que va más allá de la visión académica y parcial que suelen ofrecer los libros oficiales: ¿Por qué hubo tantos artistas suicidas, desde el Renacimiento al siglo XX? ¿Qué llevó a muchos creadores a autorretratarse de forma obsesiva, anticipándose en siglos al selfie del siglo XXI? ¿Qué redes sociales hubieran empleado los pintores del Barroco si hubieran vivido en nuestros días? ¿Por qué creó rechazo la representación del vello púbico femenino en milenios de historia? ¿Qué provoca el repudio de una obra de arte en un determinado contexto histórico y provoca su triunfo en un periodo posterior? ¿Qué mueve a alguien a atentar contra un cuadro o una escultura? ¿Por qué se silenciaron las facetas escabrosas de muchos creadores, sus tendencias violentas, sus engaños? ¿Qué impidió la representación de la realidad cuando se levantaba la bandera del decoro, ignorándose que Cristo fue crucificado desnudo, o que tuvo una infancia como la de otros niños? ¿Cuándo murió el arte? ¿Con el inodoro de Marcel Duchamp? ¿O con las heces enlatadas de Manzoni?

En primer lugar se adentra en el papel de la mujer en el mundo del arte, destacando la ausencia de pintoras, escultoras, copistas, fotógrafas o arquitectas en los manuales oficiales. Un recorrido por la obra de mujeres que a lo largo de la historia estuvieron a la altura de los hombres en su creatividad y talento, pero cuya figura ya sido olvidada y silencia, pero que el autor rescata en un ejercicio que hace justicia con estas artistas.

El libro continúa ofreciéndonos una primicia: ¡el primer selfie de la historia! para señalar la obsesión de muchos artistas por el autorretrato, deteniéndose después en las pasiones artísticas que terminaron en suicidio, la sexualidad en las obras y los tabúes de las diferentes épocas, los diversos criterios seguidos para rechazar algunas obras que después han pasado a la posteridad, artistas que han compaginado su talento con la locura y la violencia, o los atentados contra el arte, son algunos de los temas que el autor aborda con rigor, analizando obras y ofreciéndonos una serie de episodios y anécdotas que van a hacer disfrutar a amantes del arte, de la historia, y a todos aquellos con un mínimo de curiosidad e inquietud por conocer y aprender.

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Historia del arte para Dummies

Para Dummies nos ofrece otra joya con la publicación de Historia del arte para dummies, un libro dirigido a estudiantes y amantes del arte que nos permitirá conocer las claves de los movimientos artísticos, los símbolos y la genialidad de los grandes maestros, y que puede ser una oportunidad ideal para despertar el interés por el arte de aquellos que hasta el momento hayan mostrado indiferencia.

Jesse Bryant Wilder es profesor y editor de libros de texto sobre arte e historia del arte. fue crítico de arte para Cleveland.com y columnista en el periódico Plain Dealer.

En este libro volvemos a encontrar los elementos principales de la Colección Para Dummies, todo un acierto que nos sigue ofreciendo libros amenos, divertidos, rigurosos y completos en su propuesta, pero con un estilo asequible a cualquier lector.

Su organización permite seguir la lectura siguiendo el orden cronológicos o eligiendo los movimientos y períodos artísticos que se consideren más interesantes. De esta manera descubriremos las claves que marcaron cada etapa y descubriremos el genio de autores como Miguel Ángel, Velázquez, Goya, Picasso o van Gogh.

El autor va más allá del análisis artísticos y nos ofrece una mirada completa analizando la influencia del pensamiento, la religión, la política y la sociedad en cada movimiento artístico. Y es que resulta imposible separar al artista de su contexto histórico. Si además este recorrido se adereza con curiosidades y anécdotas, ya tenemos todos los ingredientes para disfrutar de un plato irresistible.

En sus páginas no sólo hay lugar para los clásicos, también tienen su protagonismo los artistas modernos. Todas las escuelas, movimientos y períodos artísticos son tratados en un libro ambicioso que nos permite acercarnos al mundo del arte sin miedo, permitiéndonos captar la esencia y la intención del artista, pudiendo así sacarle todo el provecho a las obras.

Un libro que nos despierta el apetito artístico y que se convertirá en compañero de viaje inseparable, un guía imprescindible cuando vayamos a museos y edificios históricos que ahora podremos visitar sin complejos y disfrutar en toda su dimensión.

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Velázquez desaparecido

Velázquez desaparecido, de Laura Cumming (ed. Taurus, 2016) es una obra fascinante, un relato que se mueve entre el thriller, la novela de aventuras y el ensayo de arte, para ofrecernos un doble relato de dos búsquedas paralelas, aunque distanciadas en el tiempo,  que giran alrededor del misterio que rodea la figura y la obra de Velázquez y de un retrato desaparecido que da lugar a una apasionante indagación en el complejo significado de la autenticidad que "rastrea la inquebrantable determinación que impulsa a artistas y coleccionistas, y viaja de la extravagante corte española de la década de 1700 a las despiadadas casas de subastas de Londres y Nueva York en el siglo XIX".

Laura Cumming es crtica de Arte del Observer desde 1999. Fue redactora de Arte del New Statesman, editora literaria de Listener y directora adjunta de la Literary Review. Ha sido columnista del Herald y colaborado con el London Evening Standard, The Guardian, L#Express y Vogue. Su libro A Face to the World: On Self-Portraits fue un gran éxito de crítica.

Con Velázquez desaparecido nos ofrece una obra maestra a la altura del genio del pintor. Un juego literario construido con precisión de cirujano que nos emociona, entretiene y mantiene en suspenso con un misterio que se va desvelando (o no) mientras vamos disfrutando de una peculiar visión sobre la obra del artista que hará las delicias de todos aquellos que sientan pasión por el arte, la historia o la literatura. Un cóctel perfecto que mezcla los ingredientes con maestría y está preparado con cariño y exquisito cuidado para ser degustado sorbo a sorbo por el lector.

El libro se ha ganado los mejores elogios de la crítica, algo que todo aquel que lea el libro comprobará que es justo y merecido:

«Una doble biografía, un ensayo crítico, la historia de la corte de Felipe IV, un misterio sin resolver, un libro de aventuras... Una obra brillante de una autora en la cima de su arte.»   Jennifer Senior, The New York Times

«Velázquez desaparecido no solo es una apasionante historia detectivesca y una brillante reconstrucción de una controversia artística, sino que también es un homenaje a la obra de Velázquez, escrito por una crítica absolutamente hechizada por su genio, del mismo modo que los lectores quedarán hechizados por su libro.» Colm Tóibín

«Ingenioso e intrigante. Cumming entreteje las dos historias -la de Snare y la de Velázquez- con tal sutileza que se iluminan entre sí de manera sorprendente.» Mark Hudson, The Daily Telegraph

«Una historia extraordinaria. Este estupendo libro es muchas cosas, un estudio de la obsesión, un canto de alabanza a un artista de genio, una historia de detectives y, para el autor, un exorcismo de la pena.» Honor Clerk, The Spectator

La autora abre su corazón desde la primera página para desvelarnos los emotivos orígenes de un libro en el que los sentimientos y las emociones siempre estará a flor de piel. Después del fallecimiento de su padre, pintor, Cumming vivió una crisis personal, negándose a ver ninguna pintura que no fuera la de su padre como "forma de mantener su recuerdo tan cercano e íntimo como fuera posible". Pero todo cambiará en un viaje a Madrid en el que, después de intentar evitar en repetidas ocasiones la atracción que le producía el Museo del Padro, se encontró de forma casual frente al cuadro de las Meninas de Velázquez.

La descripción que la autora realiza de este encuentro y lo que sentía ante esta obra maestra resulta fascinante provocando que nosotros sintamos la misma admiración ante "una imagen con la profundidad y el tamaño de la vida real". La capacidad de Velázquez para convertir la pintura en "un teatro vivo, como representación que se asoma a nuestro mundo y nos asigna un papel a cada uno de nosotros, incorporando a todos los observadores. Un cuadro que parece derrotar a la muerte al tiempo que reconoce nuestro común destino humano" provocará una sacudida en Cumming que le dará consuelo para volver a retomar su vida.

Su pasión por Velázquez y su obra la llevará encontrar un folleto que la pondrá sobre la pista de un misterioso librero inglés, John Snare, quien en 1845 se hizo con un retrato del príncipe Carlos durante su viaje a Madrid para cortejar a la princesa española en 1623. Un retrato que en príncipe todos atribuyen a Van Dyck pero que él sospecha que puede ser un Velázquez desaparecido, comenzado una investigación trepidante y apasionante que, paradójicamente, se convertirá en su propio infierno y acabará arruinando su vida.

A partir de aquí, el relato de la investigación de Snare correrá paralelo al de la propia autora quien, en principio buscaba el cuadro pero quien, finalmente, terminó siguiendo las peripecias de este singular y misterio librero. Tres relatos se van alternando a lo largo de la trama y entrelazando las vidas de Cumming, Snare y el propio Velázquez. El libro se convierte así en una obra de misterio en la que las pistas se van desentrañando paso a paso, mientras vamos descubriendo las claves de la obra de Velázquez.

Todo alrededor de Snare gira en torno al misterio, también la vida de Velázquez tiene muchos puntos oscuros y enigmáticos, aunque su obra nos desvela su ser más íntimo de forma más clara y concisa que la mejor biografía. Enigmas y revelaciones que van cautivándonos página a página mientras el misterio del retrato y de su autor se va desvelando de forma certera mientras una investigación mucho más profunda nos va mostrando las claves del pintor, su obra, su época y los entresijos del complejo mundo del arte.

Seguiremos a Cumming mientras sigue los pasos de Snare, quién a su vez sigue los pasos del retrato, un retrato que servirá de llave para desentrañar otros misterios relacionados con el arte, la historia y la obra de Velázquez.

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La época de las catedrales

La época de las catedrales (ed. Cátedra, 2016) es una nueva edición de este clásico Georges Duby, historiador y medievalista francés, fallecido en el año 1996, una radiografía detallada y profundo de la sociedad y el arte en la Edad Media.

Georges Duby sitúa las altas producciones del Occidente medieval en el movimiento general de la civilización y ofrece las claves para penetrar en este universo de formas fascinantes.

Muestra cómo, en el siglo X, el gobierno de la producción artística pasa de manos de los reyes a las de los monjes; cómo, cien años más tarde, el renacimiento urbano establece la catedral como foco de las mayores innovaciones; y cómo, en el siglo XIV, la iniciativa artística vuelve a los príncipes y se abre a los valores profanos.

El autor realiza un riguroso y peculiar recurrido que abarca desde el año 980 al 1420, estructurando el estudio en tres construcción claves que marcaron esta época y le sirven al autor como base para señalar el desarrollo de la sociedad y el arte durante este período: el monasterio, la catedral y el palacio.

No estamos ante una obra divulgativa, sino ante un libro erudito, recomendable para todo aquel que quiera profundizar en el estudio de las claves de esta época, sin prisas, deteniéndose en cada página, algo que no tiene por qué se aburrido, todo lo contrario, para aquel que disfrute de la historia y del arte será un banquete literario que devorará con gusto.

Conocer el pasado es una forma muy acertada de comprender quiénes somos y gran parte de lo que está sucediendo en la actualidad. La historia es una sucesión de episodios que van marcando el devenir de la humanidad, tal y como queda demostrado en la evolución artística revelada en este libro, que nos muestra que el arte es un fiel reflejo de la sociedad en la que se desarrolla por lo que su estudio no sólo es un banquete para los sentidos, sino también una fuente de información histórica imprescindible para comprender nuestro pasado.

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El arte de las matemáticas

En El arte de las matemáticas, de Vicente Meavilla (Guadalmazán, 2016) se analizan una decena de obras que encierran en sus formas un notable interés desde la óptica matemática. De esta forma arte y matemáticas se dan la mano en un festín que nos devela los principios matemáticos a través de la pintura.

Vicente Meavilla Nace en Mahón en 1949. Es Licenciado en Ciencias [Sección de Matemáticas] por la Universidad de Zaragoza y Doctor en Filosofía y Letras [Pedagogía] por la Universidad Autónoma de Barcelona. Ha desarrollado su actividad docente e investigadora en los Institutos «San Miguel de Aralar» (Alsasua), «José Ibáñez Martín» (Teruel), «Santo Tomás de Aquino» (Molina de Aragón), «Valle del Jiloca» (Calamocha), «Francés de Aranda» (Teruel), y en el Departamento de Matemáticas de la Universidad de Zaragoza.

En la actualidad es Catedrático de Matemáticas jubilado. Autor de varios libros sobre Historia de las Matemáticas y Matemática Discreta. Con Almuzara publicó en 2007 Las matemáticas del arte, en 2010 Aprendiendo matemáticas con los grandes maestros y La sinfonía de Pitágoras, en 2011 El lobo, la cabra y la col, en 2012 Eso no estaba en mi libro de matemáticas y en 2013 ¿Cuánto vale la X?. También ha escrito numerosos artículos de Didáctica de las Matemáticas y ha presentado diversas comunicaciones y ponencias sobre el mismo tema en congresos nacionales e internacionales.

En esta obra nos invita a seguir sus explicaciones para conseguir mirar el arte, no solamente desde el punto de vista estético, sino teniendo la mente más abierta para percibir las fórmulas que se esconden entre sus trazos.

Esta antología nos llevará, en un interesante viaje, a través de las biografías de algunos grandes matemáticos como Luca Pacioli, Gerónimo Cardano, Blaise Pascal y René Descartes; nos presentará algunos libros clásicos en la historia de las Matemáticas como Aritmética (1527) de Petrus Apianus, Mirifici logarithmorum canonis descriptio (1614) de John Napier, Harmonices Mundi (1619) y Tabulae Rudolphinae (1627) de Johannes Kepler; nos mostrará los sistemas cosmológicos de Ptolomeo, Copérnico y Thyco Brahe; nos pondrá en contacto con uno de los poliedros arquimedianos, el rombicuboctaedro, y con el dodecaedro regular; nos hablará de los cuadrados mágicos, las figuras imposibles, la anamorfosis, el aforamiento de toneles y el uso de algún instrumento para el cálculo indirecto de longitudes.

Esta «exposición» matemática está compuesta por: Retrato de Fray Luca Pacioli con un alumno, Melancolía I, Los embajadores, Retrato de Johannes Neudorfer y su hijo, La urraca en la horca, Los medidores, Interior de la Galería Linder, Pascal en compagnie de Desargues et du Pére Mersenne expose à Descartes ses projets d’expériences sur la pesanteur de l’air., Le tonnelier. Cálculo mental.

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La empresa Gótica

La empresa Gótica, de Robert A. Scott (ed. Stella Maris, 2016) es una reveladora, amena y accesible obra que hará las delicias de los apasionados del arte y la historia desvelando las claves para entender la compleja e increíble arquitectura del Gótico. Un libro que llega con la mejor de las recomendaciones, Ken Follet autor de "Los pilares de la tierra" y "Un mundo sin fin": «Éste es, sin lugar a dudas, el mejor libro que conozco sobre por qué se construyeron las grandes catedrales. La amplitud de la erudición de Scott es asombrosa.Muy pocos libros nos iluminan verdaderamente sobre el misterio de las catedrales, y éste es uno de ellos».

Robert A. Scott, estudió Sociología en la Universidad de Kingston y se doctoró en la London School of Economics (LSE). Empezó a dar clase en la Universidad de Strathclyde y en la Universidad de Leicester. A partir de 1994, impartió clases de Sociología en la Universidad de Essex, posiblemente la mejor universidad en Ciencias Sociales y Políticas de Europa, y desde 2008 imparte docencia en la Universidad de Plymouth.

Es el editor de European Societies, la revista de la European Sociology Asociation; miembro de The British Sociological Association desde 1970 y de la Royal Society of Arts (FRSA) y la British Academy (FBA); y académico en la Academy of Learned Society in the Social Sciences (AcSS).

A lo largo de toda su carrera, el profesor Scott ha intentado transmitir parte de la emoción de sus días de estudiante: los años en los que descubrió que el estudio académico era la dirección que quería seguir en la vida.

Este excepcional currículo le capacita para abordar una "empresa" ambiciosa, alejada de su experiencia profesional en cuanto a la temática, pero no en cuanto a la metodología de investigación y análisis. Y lo hace examinando una época histórica que ha disparado nuestra imaginación durante siglos y que hoy inspira las más populares creaciones literarias y cinematográficas. Un recorrido revelador para comprender las claves, motivaciones, valores y cosmovisiones de aquellos que construyeron las grandes catedrales góticas europeas, edificios que, independientemente de las creencias de cada uno, nos llenan de asombro y fascinación, haciéndonos sentir muy pequeños ante estas obras colosales. 

El autor quiere ir más allá de los aspectos técnicos para adentrarse en el alma de los edificios y sus constructores, poniendo su corazón en unas páginas que nacen de un enamoramiento a primera vista que Scott explica en una introducción en la que ya nos anticipa que estamos ante algo más que una análisis fríos de técnicas y datos artísticos. 

A lo largo del libro dará respuesta a fascinantes interrogantes como  ¿Qué fuerzas políticas y religiosas llevaron a reyes y obispos a gastar fortunas en erigir los más grandes monumentos del espíritu humano? ¿Qué habilidades y tecnología fueron necesarias? ¿De dónde procedía la mano de obra, la piedra, la madera, el vidrio? ¿Cuál era la función simbólica de las exactas proporciones que utilizaron? ¿Cuáles eran los sentimientos medievales sobre la muerte?

Historia, arte y religión se dan la mano en un libro escrito con agilidad, que busca enseñar al lector y no confundirlo, despertar el interés por "leer" las catedrales y entenderlas de la misma manera que el autor ha conseguido tal y como explica. Una obra que nos acerca a unos maestros constructores que se enfrentaron a todo tipo de adversidad, buscando soluciones creativas en medio de situaciones límite, enfrentándose a la física, los desastres naturales, los fenómenos atmosféricos, las luchas de poder, la codicia y las guerras que asolaban el continente. 

La empresa Gótica consigue seducirnos desde el principio y su lectura provocará que la próxima vez que nos encontramos ante una catedral gótico no sólo sintamos fascinación y asombro ante su grandeza sino también admiración por aquellos que consiguieron llevaran a cabo esas "increíbles, misteriosas y espléndidas obras de la humanidad". 

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Hieronymus Bosch “El Bosco”. Visiones y pesadillas

En esta entrada quiero hablaros de Hieronymus Bosch “El Bosco”. Visiones y pesadillas (ed. Alianza, 2016), del profesor de historia del arte Büttner, libro cuya publicación coincide con el quinto centenario del fallecimiento del autor y con la exposición que inaugura el Museo del Prado el 31 de mayo de 2016.

La gran exposición organizada por el Museo del Prado se inaugura el próximo 31 de mayo y es uno de los grandes acontecimientos culturales de esta temporada. La figura y la obra del pintor siguen levantando fascinación, además de polémicas y diversas interpretaciones, alimentadas por la falta de documentos escritos propios sobre su vida y obra, además de por la confusión sobre la autoría de sus obras al multiplicarse sus imitadores.

Al Bosco se le ha considerado hereje, adamita, cátaro, astrólogo, alquimista e incluso psicópata y se le ha relacionado con sectas secretas. Mucho se ha especulado sobre una vida envuelta en el misterio y la leyenda, y una obra que ha dado lugar a todo tipo de interpretaciones. El objetivo de este libro es acudir a las fuentes documentales, que son muchas y que pueden aportar luz e indicios sobre la verdad que se esconde detrás de los mitos y leyendas alrededor de su figura y obra.

Los cuadros del pintor han sido objeto de análisis para descubrir en sus pinturas pistas sobre influencias esotéricas y psicopatologías de su creador. El autor se propone poner distancia con todas las especulaciones, conjeturas e hipótesis fantasiosas y acudir a las pruebas materiales para situar al pintor y su obra en su contexto histórico, social y cultural.

La empresa no es fácil, y es que a lo largo del tiempo las obras atribuidas al pintor se han ido reduciendo, de los cuarenta y un cuadros que se le atribuían en 1937 a los veinte en los que se le identifica como autor en la actualidad. Esta variabilidad ha provocado que el enfoque sobre sus temáticas haya variado, "de las escenas oscuras y fantásticas de un infierno poblado de extraños seres híbridos, ahora el énfasis se pone en temas más tradicionales de la iconografía cristiana".

El autor huye de dogmatismos reconociendo no sólo la complejidad que presenta el pintor sino la ambigüedad en la que se basaba el concepto de arte en la época del Bosco. Por lo tanto, querer reducir las interpretaciones de su obra es un ejercicio estéril que empobrece el legado del artista, un legado que sigue vigente, despertando interés y fascinación, tal y como se puede comprobar en este libro, que disfrutarán amantes del arte y de la historia por igual.

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Diccionario visual de términos de arte

Diccionario visual de términos de arte (ed. Cátedra, 2015) es un fascinante viaje por la historia del arte, un banquete para la mente y los sentidos, presentado con exquisito gusto, con todo lujo detalles, un recorrido que disfrutarán, no solo profesionales y estudiantes relacionados con este mundo sino “cualquier persona interesada en aprender, comprender y recrearse con el arte”.

Todo en este libro está cuidado con un tacto y un gusto que convierten la obra en una herramienta muy práctica y útil, y en una delicia para la vista. Se presenta dividida en dos partes; en la primera tenemos el Diccionario Visual, formado por la clasificación alfabética de los términos y en la segunda encontramos un glosario de todos los términos que aparecen en el diccionario.

Cada entrada del diccionario está estructurada de la siguiente manera:

a) Definición.

b) Síntesis histórica, funcional, casuística, que enriquece el término.

c) Descripción lingüística, fácilmente identificable por estar encuadrada en un bloque de distinto color, en la que se incluye: - Categoría gramatical y género. - Etimología. - Traducción al inglés, francés, alemán e italiano. - Véase: voces relacionadas con el campo semántico de la palabra.

d) Descripción visual: - Fotografía. - Dibujo. - Infografía.

La pintura asume un protagonismo especial en el libro, junto a la escultura y arquitectura, aunque también aparecen otras disciplinas como la alfarería, la cerámica, la heráldica, la glíptica, la orfebrería, la ebanistería, la eboraria, el grabado, etc. Todo con el objetivo de que el lector, gracias al mejor conocimiento de los diferentes aspectos artísticos, pueda disfrutar de ellos en toda su dimensión.

Objetivo que consiguen con creces gracias a la acertada mezcla de contenidos y materiales que van más allá de un simple diccionario de definiciones para ofrecernos una completa herramienta con amplia información sobre cada elemento tratado, abarcando aspectos históricos, artísticos y técnicos.

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Los tiburones del arte, de Luis Racionero

Los tiburones del arte, de Luis Racionero (ed. Stella Maris, 2015) es un libro que realiza un breve, conciso y revelador análisis sobre el mundo del arte, la nociva y polémica intromisión del mercado, la evolución del concepto de arte y artista en la historia y qué podemos esperar del futuro.

Antes de entrar en el contenido del libro es necesario detenernos en la biografía de su autor, para poder comprender mejor la perspectiva que adopta uno de los intelectuales más incisivos de nuestro país: Luis Racionero estudió Ingeniería y Ciencias Económicas en la Universidad de Barcelona y obtuvo la beca Fullbright para doctorarse en Urbanismo en la de Berkeley. Ejerció en 1966 como profesor de Microeconomía y de Urbanismo en la Facultad de Ciencias Económicas; en la Escuela de Arquitectura y en la Facultad de Económicas de Barcelona.

En 1978 se estableció en el Ampurdán (Gerona) para dedicarse exclusivamente a la literatura. Como escritor ha cultivado la narrativa y la ficción. Ha obtenido, entre otros, los premios Azorín y Fernando Lara de novela; y el Anagrama de Ensayo. Entre sus obras narrativas destaca Cercamón (1982), La forja de l’exili (La forja del exilio, 1985), Raymon o la alquimia de la locura (1985), La cárcel de amor (1996); y La sonrisa de la Gioconda (1999). Es autor también de numerosos libros ensayísticos y ha realizado algunos cortometrajes como La fiesta de los locos: una interpretación de H. Bosch y Leonardo y el andrógino. Ha colaborado con diarios y revistas como El País o Ajoblanco, y en la actualidad escribe en La Vanguardia y Mundo Deportivo.

Con Los tiburones del arte se adentra en las entrañas del mundo del arte partiendo de la venta de un tiburón en formol por 12 millones de euros, episodio que da pie al juego de palabras de título y que es algo más que una curiosa anécdota, ilustra de qué forma se han entrelazado dos mundos que solían y deberían permanecer separados: la especulación financiera y el arte.

El autor incluye otros ejemplos sobre precios inflados en pujas, extravagantes “obras de arte” en exposiciones de prestigiosas galerías, una sucesión de esperpentos que son un reflejo de la confusión que envuelve el mundo del arte y sobre la que Luis Racionero se propone aportar luz para mostrarnos cómo hemos llegado a una situación en la que las obras de arte son mercancías y ya no hay posibilidad de distinguir entre lo bueno y lo malo, incluso entre lo que es arte y lo que no lo es.

En primer lugar se adentra en la definición de lo que es arte para comprender qué diferencia existe entre el valor de uso de una obra y el valor de cambio. A continuación realiza un recorrido por la evolución del concepto de arte y artista desde la Antigüedad hasta la actualidad. El cambio de paradigma llega con la modernidad, que irrumpe en el arte provocando la desaparición de la crítica, imposibilitando la evaluación de las obras ya que “el único criterio es lo nuevo y eso no vale como juicio de valor. Lo nuevo puede ser despreciable, sin interés alguno”.

Esta parte resulta especialmente interesante, mostrando cómo este cambio de paradigma que afecta a todas las áreas de la sociedad ha influido de forma radical en el arte. La falta de una norma común ha provocado que los críticos se hayan quedado sin criterios y que los verdaderos artistas se vean “eclipsados por una nube de neuróticos que exponen y expresan sus incoherentes personalidades”.

Pero el autor va un paso más allá para aportar también una parte constructiva a la crítica, proponiendo dos elementos que pueden ser claves para descubrir lo que sería el octavo o noveno arte del siglo XXI, al igual que el cine fue el séptimo arte del siglo XX. La ciencia y la tecnología irrumpen como parte fundamental de la creatividad e impacto que pueda suponer el arte en la sociedad.

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Maestros de la pintura

Con Maestros de la pintura de Larousse, completo una trilogía de recomendaciones sobre el mundo de la que pintura que incluye Leer la pintura y Comprender las grandes obras de arte. En la primera encontrábamos “una obra imprescindible para disfrutar de un cuadro en toda su extensión” mientras que en la segunda realizábamos un paseo “esclarecedor por las grandes obras de la pintura occidental de los últimos 600 años”. Este tercer libro, de Patricia Fride R. Carrassat, licenciada por la École de Louvre de París y destacada conferenciante de arte, completa esta visión sobre el mundo de la pintura, con una selección de 73 de los pintores que hoy consideramos maestros, desde el siglo XIII hasta mediados del siglo XX.

La autora comienza reconociendo la dificultad de establecer una lista de los mejores pintores de la historia. Es consciente de que puede ser polémica, aunque defiende los criterios seguidos para realizar la selección de unos “genios indiscutibles que suscitan la admiración de todos y su selección, aunque siempre subjetiva, cubre los grandes momentos de la pintura desde el siglo XIII hasta mediados del siglo XX”.

La obra tiene un tono didáctico que la convierte en asequible para cualquier lector, por lo tanto está dirigida tanto a las personas aficionadas al arte como al público en general que quiera iniciarse en la comprensión de los genios que han marcado la pintura occidental desde la Edad Media hasta el siglo XX.

El contenido del libro se organiza en seis grandes periodos históricos:

- S. XIII al XVI (Renacimiento y sus desarrollos)

- S. XVII (Clasicismo y barroco) - S. XVIII (Rococó y neoclasicismo)

- Primera Mitad S. XIX (Romanticismo)

- Segunda Mitad S. XIX (Realismo, impresionismo, postimpresionismo, simbolismo)

- Siglo XX antes de 1965 (Expresionismo, cubismo, abstracción, surrealismo, etc., y primicias del arte contemporáneo, desde el expresionismo abstracto al pop-art).

Cada sección es introducida por una breve y concisa reseña histórica que sitúa a los artistas y sus obras en la historia política, económica, social y cultural. A continuación encontramos los artículos dedicados a los diferentes maestros que ocupan, en su mayoría, 4 páginas, aunque alguno se presenta en 2 y otros en 6 como Goya, Cezanne, Matisse o Picasso.

Además del tono divulgativo y asequible, el libro destaca por el orden en su presentación. A la organización ya descrita se añade que cada artículo tiene la misma estructura:

- Una breve síntesis introductoria que resumen en algunas líneas la personalidad del pintor, define su obra y las características estilísticas que hacen de él un maestro.

- Un recorrido biográfico presenta las grandes etapas, los momentos claves de la vida del pintor y sus principales obras.

- La descripción de las influencias y características pictóricas, donde se recuerdan las técnicas, los temas, los formatos y los soportes preferidos por el artista, sus principales mecenas, sus viajes y las influencias artísticas que atesora, así como la estilística y plástica de la obra y su evolución.

- Una defensa de los criterios que hacen que consideremos al artista escogido como un maestro: triunfo en vida del artista o redescubrimiento posterior; ruptura estilística o profundización y singularidad dentro de su estilo; invención o renovación de la temática, la composición, la plástica, la técnica, los temas dominantes.

- La relación del número de obras pintadas por el maestro, las producciones importantes y sobre todo significativas de la evolución artística del maestro.

- Como no podía ser de otra forma, también se reproducen de una a tres obras por artista, representativas de su evolución estilística a partir de la madurez, y no son forzosamente las más famosas, sino las más esclarecedoras desde el punto de vista plástico.

- Finalmente, para el que quiera ampliar la información, se incluye una bibliografía que propone algunas obras de referencia: catálogos de exposición, catálogos razonados, monografías, escritos de pintores…

Y todo queda preparado para realizar otro fascinante viaje por la historia de la pintura, desde la perspectiva de los artistas, que nos permitirá responder a preguntas como ¿Qué pintores han marcado la historia de la pintura? ¿Por qué se les considera unos genios? ¿Cómo influyeron en las siguientes generaciones? Un libro que pertenece a la colección Reconocer el Arte, que se propone ofrecer al lector “un medio simple y accesible de adquirir los conocimientos indispensables para disfrutar del arte”, y que en esta ocasión vuelve a conseguir su objetivo...

Descubre más datos sobre el libro consultando aquí la ficha en la web de la editorial.

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Comprender las grandes obras de la Pintura

El mes pasado os recomendaba Leer la pintura, una nueva edición publicada por Larousse de una obra imprescindible para disfrutar de un cuadro en toda su extensión. El siguiente paso en este viaje por el arte es otro libro de la misma editorial, Comprender las grandes obras de la pintura de Jerome Picon, un libro-regalo magistral, una colosal obra con más de 500 reproducciones de alta calidad y más de 40 facsímiles de dibujos, grabados, cartas y otros documentos, es un paseo esclarecedor por las grandes obras de la pintura occidental de los últimos 600 años.

Con una presentación de lujo y una cuidada encuadernación con cierre imantado, el libro se convierte en un juego artístico-literario en el que los lectores nos convertimos en investigadores en un CSI del Arte que nos va desvelando los secretos de las grandes obras de la pintura. Un regalo para la vista y la mente.

Cada página del libro nos guarda una sorpresa, puede ser en forma de anécdota o dato curioso sobre el autor o su obra, en pequeños sobres de papel de seda que preservan esbozos, cartas y grabados de Leonardo, Rembrandt, Van Gogh o Cezanne, en ventanas que esconden detalles sorpredentes, en desplegables que nos ofrecen noticias y aspectos curiosos de los maestros, en mini-libros que contienen grandes historias o en reproducciones de sus principales obras que son analizadas desde una original perspectiva.

De forma hipnótica iremos avanzando y saboreando los diferentes cuadros mientras vamos descubriendo detalles sobre las tragedias personales de sus autores, las técnicas usadas, además de las aventuras y desventuras que se esconden detrás de cada lienzo.

Misterios, muertes, mensajes ocultos, robos, amores, odios, rencores, rivalidades, pasiones, ruinas económicas, leyendas, mitos, enfermedades, guerras...  parecen ingredientes de un thriller, pero forman parte de las vidas de pintores como El Greco, Velázquez, Vermeer, Rafael, Caravaggio, Goya, Picasso, Tiziano, Courbert, etc, y sus claves quedaron grabadas para la posteridad en unos cuadros que, a partir de ahora, observaremos desde una nueva y sugerente perspectiva.

Descubre más datos sobre el libro consultando aquí la ficha en la web de la editorial.

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Leer la pintura

Leer la pintura, de Nadeije Laneyrie-Dagen (ed. Larousse, 2013) es una nueva edición de un libro extraordinario, una obra que nos sorprende con una sorprendente y fascinante premisa: un cuadro es un libro abierto por lo tanto… ¡también se pueden leer! Una atractiva propuesta para que todos los “Mamíferos Devoradores de Libros” descubramos también el placer de la lectura de un cuadro.

Con un estilo pedagógico, muy práctico y con numerosas ilustraciones repartidas a lo largo del libro, la autora, profesora de magisterio y especialista en Arte (s. XIV-XVI) nos ofrece una obra asequible para todo tipo de lectores: estudiantes, profesores y aficionados al arte. Todos encontrarán ingredientes de interés en esta completa obra que se presenta como “un museo de papel repleto de obras maestras”.

Nadeije estructura el libro en seis grandes ejes que nos ofrecen una herramienta completa para ayudarnos a comprender el contenido de una pintura en toda su extensión. Como si de una autopsia se tratara, conseguiremos diseccionar un cuadro de tal forma que podamos identificar su autor, la época, qué significa, los detalles técnicos o el estilo pictórico en el que se inscribe.

El libro expone los criterios que utilizan los historiadores, críticos de arte, comisarios de exposiciones y conservadores, pero lo hace de una forma sencilla, poniendo a nuestro alcance las herramientas para sumergirnos en las entrañas del cuadro para poder entender todo lo que el artista ha dejado plasmado en su obra.

En sus páginas nos espera un apasionante viaje por la historia del arte, por las obras y las técnicas usadas por los grandes maestros, un recorrido que nos desvela la maestría de unos artistas que gracias a esta obra podemos apreciar en todo su esplendor.

La lectura de este libro abrirá nuestros ojos para que podamos acercarnos a los cuadros desde una nueva perspectiva que nos permitirá disfrutar de las obras más allá de la impresión general que toda bella pintura provoca en quién la mira.  Conseguimos así la destreza necesaria para analizar un cuadro, descubriendo cómo se documenta, qué conceptos esenciales hay que conocer sobre la composición, el dibujo y el color, cómo han evolucionado conceptos como la belleza a través de los siglos, qué estilos existen, los secretos de las proporciones, la perspectiva y otros efectos visuales.

La autora afirma en la introducción que analizar un cuadro requiere tiempo hasta que “aprendamos a observar con la atención necesaria para captar cada uno de los elementos de la obra”. Un proceso que no puede empezar de mejor forma que leyendo un libro que despierta nuestro apetito para seguir disfrutando de este banquete artístico.

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La otra Gioconda

La otra Gioconda, de Peio H. Riaño (ed. Debate, 2013) es un libro que nos acerca al hallazgo que ha revolucionado la historia del arte, convirtiéndose en su descubrimiento más importante del último siglo.

Este libro es la crónica de este hallazgo a través de los ojos de Peio H. Riaño, “testigo privilegiado de los intensos momentos que vivieron los investigadores del museo del Prado cuando desvelaron el secreto”. El autor nos ofrece en esta obra una investigación periodística que se presenta como si fuera un "documental escrito” compuesto por “una serie de reportajes que se detienen en las labores de conservadores y restauradores, en sus fuentes, en sus estudios, en su ojo, en su criterio y en las decisiones capaces de desmontar siglos de conocimiento”.

Estamos ante una obra que analiza todas las claves para comprender cómo este hallazgo “altera muchos de los millones de párrafos escritos sobre uno de los grandes maestros del Renacimiento”, convirtiéndose en la única prueba documental directa que existe del trabajo del genio en su taller. La investigación del autor rastrea las huellas de la pintura desde su nacimiento en el taller de Leonardo da Vinci para dar respuesta a preguntas que revelan “quién es su autor, quién es la retratada, cómo llegó a España, dónde estuvo antes de pasar a la colección del museo, quién mandó cubrir el paisaje y por qué, o qué beneficios económicos reporta una pintura como ésta a un museo como el Prado”.

Pero el libro no solo nos hará disfrutar con este acercamiento a la obra y a la figura del genio, sino que en sus páginas encontramos otros ingredientes que parecen sacados de un thriller, “historiadores que prevarican aprovechando su autoridad en la materia, marchantes y galerías de arte que inflan los precios de pintores de segunda para vendérselos a clientes millonarios, restauradores que pagarían por hacer lo que hacen, conservadores que investigan para aclarar la vida de un pintor extraordinario, un artista en constante redefinición, un patrimonio que nunca ha recibido atención”.

La otra Gioconda es la historia de un cuadro que corrige la ceguera sobre la obra de arte más famosa, pero al mismo tiempo la más indocumentada, de la que menos se conoce, pero más se habla, un cuadro que “cuanto más lo mira, menos se deja ver”. Y, finalmente, para completar la propuesta, el autor realiza una seria advertencia sobre cómo estamos echando a perder un patrimonio artístico que parece sentenciado al olvido.

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"Los ladrones del Cordero Místico", fantástico libro de Noah Charney

“Los ladrones del Cordero Místico”, de Noah Charney (ed. Ariel, 2011) es un libro fascinante, hipnótico, un reportaje periodístico a ritmo que thriller que realiza un recorrido por seis siglos de historia de Europa siguiendo los misterios del “cuadro más robado de la historia”. Su autor, licenciado en Historia del Arte y fundado de ARCA (Asociación para la investigación de delitos contra el arte) es también autor de una novela ya convertida en un best seller, “El ladrón de arte”.

El protagonista absoluto del libro es un retablo realizado por Van Eyck entre los años 1426 y 1432, una época tumultuosa de la historia de Europa. “El retablo de Gante", también conocido como “La Adoración del Cordero Místico”, es considerado el objeto más deseado y maltratado de todos los tiempos. En este libro el autor nos desvela los secretos alrededor de uno de los mayores misterios no resueltos de la historia del arte.

El resumen de las vicisitudes vividas por la pintura ya resulta fascinante: “Desde que su autor, Van Eyck, dio la obra por terminada en 1432, el retablo ha sido considerado botín de guerra en tres ocasiones, además de objeto de incendios, desmembramientos, falsificaciones, contrabando, venta ilegal, censura, ocultación, ataques de iconoclastas, intercambio diplomático; se ha pagado rescate por él; los nazis y Napoleón se lo han apropiado; ha sido recuperado por agentes dobles austríacos, y robado una y otra vez”. Al que le pueda parecer que el resumen resulta exagerado, solo puedo decirle que, en todo caso, se queda corto ante el fascinante despliegue de episodios de todo tipo en los que el retablo de Van Eyck se ha visto envuelto.

Nos encontramos ante un libro que mezcla arte, historia, investigación policial, espionaje y misterio, ofreciéndonos una historia que supera cualquier thriller de ficción. Prepárate para descubrir por qué esta obra maestra ha sufrido 13 delitos, 7 robos y ha fascinado por igual “a estudiosos y detectives, a ladrones y protectores, a intérpretes y devotos, tanto por las preguntas sin respuesta que rodean sus desapariciones, como por el simbolismo místico de su contenido”.

En primer lugar el autor nos acerca al contenido de la obra y a la figura de su autor. El análisis del retablo nos desvela una pintura grandiosa, a la vez que con un detalle milimétrico sin precedentes. Ya desde el principio, descubrimos que tanto la obra como el pintor están envueltos en el más grande de los misterios. El retablo supuso el primer encargo público de importancia del joven pintor, y son muchos los misterios alrededor de la identidad y las motivaciones de las personas que realizaron el encargo.

El autor nos ofrece un análisis detallado de los diferentes paneles que componen una obra que “simultáneamente, cautiva la mirada y desafía a la mente”. Llena de símbolos camuflados nos encontramos ante una obra que supuso un punto de inflexión entre dos épocas, la Edad Media y el Renacimiento, tanto en el arte como en el pensamiento.

Después de señalar las diferentes teorías interpretativas de la obra y los misterios relativos también a su autoría, nos acerca a la persona de Van Eyck, “el mago del turbante rojo”. Considerado profeta del realismo, fue cortesano, embajador y agente secreto. Fue uno de los pocos artistas del Renacimiento que alcanzaron renombre y riqueza en vida, convirtiéndose también en toda una leyenda.

Ya fascinados por la pintura y su autor, el libro se convierte en un thriller apasionante que nos hará recorrer la historia de Europa con sus principales acontecimientos y protagonistas. En medio, la obra de arte, el tesoro de la ciudad de Gante, icono de Bélgica, que “acabó convirtiéndose en símbolo de la supervivencia de la civilización contra el mal”.


Comenzamos con los avatares de la obra durante la Reforma y la Revolución Francesa, hasta convertirse en objeto de deseo de Napoleón. En esta parte, descubriremos el vergonzoso saqueo de obras de arte llevado a cabo por el ejército revolucionario francés, seguido del realizado por las tropas de Napoleón por toda Europa. Destaca aquí el expolio realizado por Napoleón, que veía la captura y exhibición de los tesoros culturales de las naciones vencidas como una forma de poder simbólico.

A partir de aquí, la historia del retablo ya no podemos seguirla como una unidad, ya que los paneles fueron separados y sufrieron suerte dispar. Cada vez que el retablo volvía a estar completo surgía un nuevo problema que perturbaba su paz...

Tres serán los episodios más destacables de esta parte del libro. En primer lugar, la 1ª Guerra Mundial, en la que se produjo un aparente cambio en las reglas del juego referentes a las obras de arte. Anteriormente, el conquistador saqueaba al conquistado. Pero ésta fue la primera guerra en la que los dos bandos habían declarado que los monumentos debían preservarse y no se podían producir saqueos de las obras de arte. La realidad, fue muy distinta y el retablo volvió a verse amenazado. Entra en juego aquí el canónigo Gabriel van den Gheyn, con acción valerosa, genial, para ocultar el retablo. Bajo el acecho del ejército alemán, asistiremos a una carrera angustiosa para proteger la obra.

Sin duda, el suceso más fascinante y misterioso tuvo lugar en el año 1934, con el robo de uno de sus paneles, “Los Jueces Justos”. Asistiremos a un apasionante relato policial, con una investigación compleja, llena de secretos y con episodios que parecen sacados de la mejor obra de ficción. Todo en este caso resulta enigmático y nos encontramos ante un misterio que sigue sin ser resuelto, que ha dado lugar a todo tipo de teorías conspirativas, aunque el autor nos ofrece una teoría bastante convincente sobre lo que pudo ocurrir.

Finalmente, llegamos a la 2ª Guerra Mundial, en la que el destino del retablo se decidió gracias “al heroísmo de un agente doble austríaco, aun grupo de mineros y a un oportuno dolor de muelas”. Asistiremos a los intentos de Hitler y Göring por adelantarse al otro y apoderarse de la pintura para incorporarla a sus colecciones privadas. Comprobaremos el interés que mostró el ejército aliado por proteger las obras de arte y hacerse con el tesoro de los nazis, escondido en unas minas de sal. Nuevamente asistiremos a un relato digno del mejor thriller de acción con una operación llena de misterio y de secretos de la que dependía el destino de una gran cantidad de obras de arte y, cómo no, también de “El retablo de Gante”.

¿Cómo acabó la historia del cuadro? No lo desvelaré, de hecho el final sigue abierto…

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